Sarah Jessica Parker, Chris Noth, NY, Vogue y Annie Leibovitz.

¿A quién no le gusta el trabajo de Annie Leibovitz?, ella es parte de la historia de la fotografía como arte, ha fotografiado a la Reina, John Lennon, cualquiera que sea alguien tiene fotos por Annie.

Pero en esta ocasión no quiero hablar sobre las implicaciones sociopolíticas de su trabajo, sino sobre algo divertido y hermoso, las fotografías de Sarah Jessica Parker, Chris Noth para el spread de Vogue sobre la película de Sex and The City. Buenos modelos, buena ropa, buena NY.

De hecho, no voy a escribir nada, simplemente hay que verlas.

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Fuente: http://community.livejournal.com/ohnotheydidnt/23657315.html

*Para mejor calidad ver en la Vogue de Mayo*

Espero no tener que querer quedarme ciego después de verla… Blindness

Cualquiera que haya leído “Ensayo sobre la ceguera”, entenderá mi emoción ante el conocer que se hizo una adaptación al cine. Pero luego viene cierto sentimiento de duda  desesperanza al conocer que se hizo una adaptación al cine. Sería algo doloroso ver una obra del calibre de “Ensayo sobre la ceguera” tener que sucumbir ante el desmejoramiento necesario para que una audiencia mayor comprenda el mensaje.

Necesariamente algo del impacto del libro debe de morir, especialmente la generalización  y perdida de identidad de los personajes, pero eso fue compensado con el cast multiétnico. Debo de admitir que los personajes principales me llaman la atención, especialmente el de Julianne Moore en el rol de la esposa del doctor, un personaje que básicamente ofrece su vista para que “su familia” pueda salir adelante, caminar. Sandra Oh, Dany Glover y Gael García son los llamados a formar la armada de personajes de diferentes nacionalidades que intenta balancear la falta de identidad de los personajes de Saramago.

Pero para los que no saben: “Ensayo sobre la ceguera” (Traducido al inglés como: Blindness) cuenta la historia de una ciudad donde misteriosamente todos se quedan ciegos, pero no es una ceguera normal que lleva a la oscuridad sino que esta es una ceguera blanca. La esposa del doctor es la única persona de quien se tiene conocimiento que puede ver y se convierte en el peón de Saramago para poder ver como la sociedad se va perdiendo y regresando a un estado casi salvaje. Supongo que para darle una forma más convencional a la estructura del relato se aumentó el protagonismo de la esposa del doctor, que en mi opinión podía ver simplemente por el hecho de que el narrador necesitaba un buen par de ojos, en la lógica de Saramago si nadie podía ver lo que pasaba nadie podría contarlo.

Fernando Meirelles, tuvo que convencer a Saramago para que cediera los derechos, y totalmente entiendo la posición del escritor de no querer ver su obra adaptada al film. Simplemente va a perder intensidad, pero si logra ser la cuarta parte de intensa que el libro, tendré la segunda película más intensa que he visto después de Requiem for a Dream. (De hecho me hubiera gustado ver una adaptación de Aronofsky, pero siempre nos quedan Las Intermitencias de la Muerte, ¿no?)

“No es que quiera hacerlo sonar como un villano de James Bond, pero vive en esta casa diseñada por el mismo en la cima de un volcan, sin árboles en millas a la redonda y con un olivo en su jardín. Escribe mirando al mar. Es tu fantasía de como vive un ganador del Premio Nobel”

*Lo siento, no pude evitar poner esa cita*

Por lo que he leído el film ha sido bajado de tono de la versión original, lo cual es un poco desalentador pero siempre tiene que salir en DVD y en ese momento es cuando ya sabemos que se agrega todo lo que se borró. A nivel visual todo se ve sobre-expuesto y blanco, lo cual es un buen toque tomando en cuenta la condición de los personajes y en entrevistas a Meirelles he leído que todo está hecho sin un verdadero punto de vista como lo haría una persona ciega, eso suena interesante aunque en los trailers toda la composición se ve un poco convencional. Los actores ensayaron usando vendas y los extras recibieron entrenamientos sobre como actúa una persona ciega.

Por los momentos hay que esperar, la película abrió el festival de Cannes y ha recibido críticas mezcladas, pero como siempre prefiero esperar y hacerme mis propias opiniones, así que esperaré pacientemente hasta que salga en DVD o venga al cine, posiblemente la primera pase antes.

Trailer:

Requiem for a Dream me hizo querer vomitar… en el buen sentido de la palabra.

Esta es una de esas películas que son tan intensas y apasionadas que hacen querer salir corriendo, vomitar por la fuerza de las situaciones y dejar de verla por piedad a los personajes.

Creo que lo genial de este film, a diferencia de Pi y The Fountain, no es la calidad y particularidad de las circunstancias sino la progresión y evolución de los personajes. Durante los primeros 20 o 30 minutos es la película más cliché de la historia: Un chavo drogadicto, con su novia rebelde, él explota a su madre que siente que su vida se ha quedado vacía y su amigo quiere hacerse millonario de la noche a la mañana vendiendo cocaína. Sí, bastante cliché, y luego viene un discurso de casi dos horas sobre las adicciones. Ese es un dato interesante, no es un film sobre las drogas y como destruyen la mente y hay que hablar con un adulto al respecto sino sobre las adicciones y como destruyen. (La madre es adicta a la televisión).

Personalmente tengo mis avatares del morbo (personajes) favoritos: La madre creo que tiene el peso de la historia, es el personaje menos estereotípico y creo que aparte de Marion (Jennifer Connelly) es la única que me parece que realmente es víctima de sus circunstancias.

A nivel de actuación creo que hay unos cuantos momentos realmente intensos, el final de Marion, el final de Sarah especialmente porque es algo más interno del personaje y no cuentan con los elementos del ambiente al que han llegado. Personalmente no me cae bien Jared Leto, pero hay que reconocer que en esta película no actúa del todo mal.

Normalmente no noto la edición, me parece uno de esos aspectos técnicos que solamente se notan si hay que notarlos, pero en lo que se refiere a Aronosky es necesario apreciar la edicion, es suprema. Sigue con la tendencia que estableció en Pi de cortes rápidos de elementos pequeños, de hecho cada vez que los personajes se drogan se sugiere por medio de cortes que terminan en una pupila dilatada. Otra escena digna de admirar a nivel de edición está casi al principio, cuando Marion y Harry están en la cama acariciándose.

Los personajes se ven atrapados en el limbo entre sus fantasías y expectativas, y la realidad de sus contextos totalmente hechados a la basura, creo que de hecho es un poco como ver Canal 6, e inclusive al final el brazo de Harry parece sacado de Canal 6.

La banda sonora, obra de arte, de hecho cuando vi el trailer pensé: “Esto se parece a la ZooYork de Paul Oakenfold” pero de hecho Oakenfold basó ZooYork en la composición de Clint Mansell, cualquiera de las dos vale la pena escuchar. Se compone de infinitas variaciones en ritmo y estilo de la misma tonada, lo mismo que se nota en The Fountain, pero eso le da unidad al film y algo interesante.

Meh para The Mist, Boo para Cloverfield y ¡Dios Santo! para Atonement

Fue un fin de semana aburrido así que tuve la oportunidad de ponerme a ver películas, lo cual creo que va a resultar en un provechoso post.

The Mist:

Todavía no sé que pensar, creo que el concepto general es bueno pero hay algo que me desespera de esta película.

The Mist cuenta la historia de un grupo de personas que se quedan encerrados en un supermercado mientras una niebla maléfica rodea el pueblo, dentro de la niebla hay diferentes monstruos que parecen sacados de Silent Hill, hablando de Silent Hill cuando todo comienza se escucha una sirena… cuan Silent Hill. Insectos con cabezas humanoides (¿Silent Hill?), Aves de piel rosada que parecen haber sido torturados (¿Silent Hill?), Niebla (¿Silent Hill?) fanáticos religiosos (¿Silent Hill?). Sí, Silent Hill se basó en la novela original por Stephen King y la película le robó la estética al juego. ¿Sheryll?.

Las actuaciones son de risa pero obviando eso es un buen concepto, subrayo: concepto, la historia está demasiado alargada, creo que bien pudo haber sido una película de una hora con veinte pero se extendió hasta casi dos horas.

Un aspecto triste del film es que las creaturas más interesantes salen cerca del final, los gigantes especialmente. Hablando del final, es un final que se predice desde que el auto se detiene y ven que sólo quedan 4 balas.

Cloverfield:

Honestamente tenía grandes esperanzas respecto a Cloverfield, lo sorprendente es que todas mis esperanzas quedaron satisfechas.

Cloverfield es una película un tanto X, es buena para el rato pero cuando empieza a terminar uno se da cuenta de que perdió una hora y media de su vida en algo que no va más allá.

Nota personal: Nunca volver a leer la trama de una película.

El monstruo no es la gran cosa, NY destruída, nada interesante, de hecho me atrevería a decir que es un poco aburrida.

A nivel de estructura narrativa creo que es interesante, los ilógicos 20 minutos de nada es como ver una telenovela y establecer a los personajes, luego el sentimentalismo aburrido de como esta gente anda buscando a la tipa con vestido de anillos metálicos me recuerda que en esta historia el monstruo está ahí pero esta no es la historia sobre el monstruo.

Los personajes son medio X, por cierto, y las actuaciones dejan que desear, pero como concepto está bien. Hay que esperar a ver REC.

Atonement

¡Dios mio bendito! que película más perfecta…

Cuando vi El Orfanato pensé: “Esta va a ser la película genial de este año y voy a tener que hablar bien de ella hasta febrero 2009, bueno ni modo”. Pero Atonement acaba de decirle a El Orfanato que se quite y con mucha dignidad.

Para empezar la historia, tiene el potencial para ser la historia más cursi de los tiempos pero es genial, es llevada de una manera increíblemente elegante y recatada. No es sobre la guerra, no es sobre el amor, no es sobre la niña que uno llega a odiar, realmente nunca se sabe sobre que es, pero hace reflexionar sobre todo. A nivel de edición sucede algo interesante, ciertas partes son contadas varias veces, lo cual podría ser aburrido pero se hace de una forma tan agraciada que funciona para descubrir el mundo de estos personajes.

Luego la cinematografía, otro aspecto genial, para muestra un botón: la escena en que Robbert y los demás llegan a la playa donde están apostadas las tropas, son como 7 minutos continuos donde hay varios niveles de acción, siempre hay algo que ver que retrata el dolor de la guerra. La escena cuando Briony ve como se llevan a Robbert y lo hace desde una ventana con una virgen con la EXACTA MISMA EXPRESIóN que ella. Cuando Robbie entrega la carta y la carta está sobre expuesta, quemada. Podría seguir pero me detendré en la pose de Cecilia y Robbert cuando Briony los descubre, genial.

Es la primera vez, creo, que la actuación de un hombre me sorprende, opaca a Kiera de hecho, James McAvoy se transforma totalmente desde la cena hasta cuando caminan por los prados de Francia, se podría alegar que es el maquillaje pero debajo del maquillaje todo ha cambiado. La actriz que hace a Briony de niña me parece interesante, uno llega a odiar a Briony a sentir repulsión total pero se sigue entendiendo sus motivos, su inocencia, admirable.

A nivel de personajes creo que no hay ni un solo personaje que sobre o no tenga una función real, cada uno es complejo, hasta Lola tiene un papel complejo y es un personaje que cambia frente a nuestros ojos.

El final, es simplemente genial, no puedo decir nada más, totalmente recomendable.

“Todo el cine independiente es trágico, por eso a la gente le aburre porque es todo lo mismo”

Quiero aclarar algo primero: no me disgusta el dinero, no me estorba, no es que me muera por ello y piense en asaltar a la gente pero no me disgusta. Luego de una dolorosa reunión hoy con cierto productor de cierta película hecha con capital hondureño me puse a pensar muchas cosas.

Dicho eso quisiera exponer las implicaciones de ciertas frases dirigidas hacia mi en dicha reunión:

1. “No quiero herir sus sentimientos”, personalmente me gusta tomar las cosas de donde vienen.
2. “Es una película trágica”: ¿por qué la muerte está destinada a ser vista como algo trágico?, ¿dónde quedó la muerte como liberación, entrega, pequeñez humana, etc?. Además ¿por qué las implicaciones negativas a la tragedia? creo que si me enseñaron bien en el colegio así inició el drama, luego el teatro, luego el cine.
3. “Todo el cine independiente es trágico, por eso a la gente le aburre porque es todo lo mismo”, no me atrevería a decir que todo es trágico sino que tiene una mayor carga emocional, y por lo tanto es menos procesable para alguien sin mayor interés en algo trascendente. Pueden haber grandes similitudes entre una película y otra pero creo que es causa del volumen de cine independiente que se crea, al final del día parte de la importancia de este tipo de cine es la oportunidad que presenta de poner en la pantalla la visión de infinidad de personas y cada persona es un mundo aparte; además, ¿En el cine comercialoide no hay una gran cantidad de remakes o rip offs?, no es por ofender pero creo que quien produjo esa película no se entera sobre ese respecto.
4. “Al público le gustaría ver algo más alegre”. Esta es una nota para la gente que no me conoce: No me interesa lo que la gente piense (asumiendo que piensa). Igualmente pienso que si los productores, directores y escritores le dieran a las personas justamente lo que se quiere ver se llegaría a un punto donde el avance social entraría en un círculo donde el público va a ver lo que quiera ver y los productores harían lo que los otros quieren ver. Me recuerda a un perro siguiendo su trasero para poder olerlo.
5. “Te recomiendo que le hagas cambios, todavía tenés tiempo de adaptar tu guión”. Me remito a la respuesta anterior, junto con la #1. Nota personal: Soy demasiado orgulloso.

Estos fueron los puntos traumantes, pero también tuve que escuchar por horas sobre lo cara que es su película, lo impresionante que es, como usaron 20 personas para filmar dentro de un baño y las cámaras que usaron; sorprendentemente nunca habló sobre la trama del film. Lo peor es cuando el productor ejecutivo de una película se siente el artista de la misma, mi pregunta es, según lo que sé ¿El productor ejecutivo no es el que da el dinero y no hace nada más?. Y cuando alguien le habla a un grupo de alumnos pienso que debería de reiniciar el centro cerebral del idealismo y referirse al cine más como un medio de expresión y menos como una bolsa mágica de hacer billetes.

Yo sé que Honduras sufre una crisis de cultura, pero esta persona se pone como un salvador de la cultura, lo cual es chistoso tomando en cuenta que la película se hizo en Estados Unidos, con elenco en gran parte estadounidense y un crew también de ese país. Aparentemente las siguientes producciones están inspiradas en los mayas lo cual me obliga a pensar que este tipo forma parte de la horda de intelectualoides que piensan que el arte hondureño debe de redundar en el nacionalismo.

Y no sé, me siento algo culpable por no emocionarme por la mega oportunidad de trabajar con alguien quien tiene una mente tan abierta y dada al arte, pero la verdad no quiero ser su monigote para decorar su premiere, siento que una película inspirada parte en The Ring, con escenas rippeadas de Dark Water, y una niña que creo que es la hermana del chinito de The Grudge no es demasiado inspiradora. ¿Estoy mal por querer oponerme a la presión para hacerlo?.

Kunigunda la diosa (Sobre el Séptimo Sello)

Creo que a cualquier persona le gustan los contrastes, especialmente cuando es gente cantando sobre el Diablo haciendo de las suyas mientras alrededor hay un montón de azotadores pidiendo por la redención del pueblo. La plaga, una de las épocas más horribles de la historia humana, peor que los 80s, tres cuartas partes de la población murieron, y la gente que quedó escapaba de la inquisición para que no los mataran. Me parece que el verdadero significado de la vida simplemente florecerá en un contexto de muerte, muy a la manera del asesino de Saw, los personajes de The Seventh Seal van a descubrir que es vivir hasta que la muerte los encuentre en su castillo mágico que apareció de la fortuna del cruzado, de hecho leí por ahí que ese es un error histórico, los cruzados no regresarían hasta después de la peste, ellos tenían suficientes formas de morirse con los musulmanes y sus exóticos métodos de asesinato. Sí, ya sé que me estoy tomando demasiadas libertades para hablar de una película seria pero creo que parte del encanto de Seventh Seal está en el uso de ese contraste, es decir, la película nos invitaría a perder contra la muerte en un juego de ajedrez de no ser por Kunigunda. Lo que me lleva al genio de Bergman a través del tiempo, además de establecer escenarios y tomas super elegantes (especialmente porque están en blanco y negro) las relaciones entre sus personajes son tan irreales que son atemporales, por ejemplo Persona, ¿Quién se aburre de ver Persona?, mucha gente de hecho, pero una persona con cierta capacidad intelectual va a encontrarla entretenida.

Otra cosa que llama en sobremanera mi atención es la muerte, admitámoslo él se roba el show (exceptuando a Kunigunda, ella es grande), en un contexto donde la muerte es una calavera polvosa con una guadaña ver a la muerte jugando ajedrez y haciéndose pasar por cura es simplemente refrescante, ahora, no es tan interesante como la muerte de José Saramago en las intermitencias de la muerte pero es interesante. Volvamos a la parte sería: Kunigunda y sus amigos, ¿No es más que genial la manera en que todos estos don nadies se unen a Antonius y realmente forman una historia?, no me refiero a la triste historia de un tipo que quería ser actor andante y terminó escapando de las fauces de la muerte, sino la historia de una mujer que no habla durante toda la película y al final, cuando por fin habla, ¡resulta ser bruja!. Sí, es bruja, sino no se inclinara ante la muerte, otra teoría que tengo es que es suicida y otra es que está loca pero la de bruja me gusta más. A lo que voy es, todos los personajes por poco que hablen y por muchos que sean cuentan una historia, por ejemplo Kunigunda y su esposo son la pareja que con problemas y todo al final terminan juntos, ¿los separará la muerte?. Lo cual me lleva a la danza de la muerte, creo que el final cuando todos van agarrados de la mano con la muerte no sería tan cruel y… subconsciente de no ser por el carácter primitivo de la figura, son sombras, son títeres de sombras que bailan frente a la fogata… bueno… demasiado Platon. Regresando al aspecto anticliché de la muerte me gusta que no la define como algo bueno o como malo, sino como la “nada”, lo cual por alguna razón me termina dando más miedo que la maldad, creo que en la imposibilidad de la fé nada es peor que no creer que hay algo después de la muerte, algo que no sea nada, aunque sea una existencia eterna de tormento, es peor morir y quedar en silencio que morir y tener voz para lamentarse para siempre.

Seventh Seal me hace preguntarme si el verdadero arte no estará en una sólida construcción de las relaciones entre los elementos independientes, si los elementos independientes son totalmente banales y arbitrarios. De hecho hace tiempo vengo reflexionando sobre el poder de las estructuras en el arte y con Bergman se me presenta otro argumento para pensar esto: Persona. En Persona, ¿no es más importante la dinámica entre esos elementos llamados personajes que los personajes en sí?, una tipa nunca habla y la otra habla tanto que si yo fuera la que no habla le gritaría que se calle.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind y The Science of Sleep

Luego del susto inicial por los actores estas dos películas de Michel Gondry totalmente me atraparon al punto de ver las dos dos veces.

Primero: Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) Me gusta el título, se siente bien en la boca. Creo que lo primero que es difícil de la película es Jim Carey aparentemente todo mundo espera asustarse o reírse de los chistes malos pero no es tan malo actuando en drama. La película cuenta la historia de Joel quien desea borrar a Clementine de su memoria, todo sucede mientras duerme es por eso que se rompe la rígida estructura que aparentemente le damos a la memoria. Durante el proceso Joel se da cuenta que no quiere borrar a Clementine así que tiene que explorar con ella los recuerdos más ocultos - y humillantes- que tiene.

The Science of Sleep (La ciencia del sueño) también tiene el efecto del susto por el actor principal (Gael García) pero es una película totalmente diferente y sorprendentemente el mal francés e inglés funcionan a la perfección. La historia es de Stephane y Stephanie quienes son vecinos y se terminan enamorando. La relación de ambos me parece increíblemente dulce ya que la conexión que tienen es la creatividad desmedida de ambos, de nuevo nos sumergimos en un mundo de sueños y memorias aunque de una manera divertida y relajada.

Las dos películas tratan sobre los sueños pero The Science es divertida y relajada mientras que Eternal Sunshine tiene un aspecto dramático y emotivo muy superior (aún con Jim Carey). Las animaciones para los sueños son totalmente diferentes en Eternal Sunshine todo es realista y se recurre sobre todo a composiciones inverosímiles o trucos de cámara, mientras que en The Science se hace animación cuadro por cuadro con papel y otros objetos fuera de escala.

Ambas películas son recomendables y totalmente diferentes, las dos tratan sobre el amor desde un punto de vista similar pero con un tratamiento totalmente opuesto una de la otra pero por sobre todo es interesante darse cuenta que Jim Carey y Gael García no son del todo terribles.

5 Centimeters Per Second

Es la velocidad a la que caen las flores de cerezo. Del mismo director de “Hoshi No Koe” nos encontramos con “5 Centimeters per second” una historia sobre el sufrimiento y la separación.

Dos jóvenes se van separando cada vez más y la distancia hace que el estar juntos les sea imposible. La historia suena un poco cliché pero el especial énfasis en el tiempo-espacio y como la velocidad con la que pueden movilizarse los mensajes y los personajes mismos se vuelve el verdadero centro de la película:

“¿A qué velocidad debo de vivir para poder verte de nuevo?”

La historia se divide en tres episodios: “Extracto de flores de cerezo” (Mi favorito), “Cosmonauta” y “5 centímetros por segundo”, aunque la historia sigue una línea principal el punto de vista desde el cual se va contando es diferente en cada segmento lo cual ayuda a darle especial profundidad a cada personaje.

Aunque la segunda parte es llamada: “Cosmonauta” en éste film hay poca o ninguna presencia de ciencia ficción, lo importante es la realidad de los sentimientos. Siguiendo con la intención de retratar todo de la manera más real posible encuentro la animación impresionante, detalle casi fotográfico lo cual ayuda a formar un ambiente romántico, meditabundo o triste según sea la circunstancia.

La historia está contada de manera que inmediatamente comenzamos a sentir angustia por la situación de los personajes quienes se enfrentan a la distancia y la incapacidad de sobreponerla a una velocidad soportable, la inocencia de ambos sujetos.

Personalmente siento que lo mejor de la película, además de la animación sublime, es el manejo de la velocidad en diferentes formas: llegar a un destino, sobreponernos a una situación dolorosa, encontrar nuestros caminos y armarnos de valor.